billet tour luma arles

You are using an outdated browser. Please upgrade your browser to improve your experience.

Vos dernières recherches

• Cette semaine
• Musique - Danse
• Cabaret - Spectacles
• LA ROCHELLE
• MONTPELLIER
• SAINT ETIENNE

Identifiez-vous

• Toutes nos salles à Marseille

35 avenue Victor Hugo, 13200 Arles

LUMA Arles - Ces spectacles s’y sont joués

THE GREAT YES, THE GREAT NO - LUMA Arles - MARSEILLE

Infos pratiques.

35 avenue Victor Hugo 13200 Arles

À proximité

Parc des Ateliers

13200 Arles

DINOSAURS WORLD ARLES

CHAPITEAUX HOLIDAY - ARLES

Assurance remboursement

Places sur plan

Service client

Paiement sécurisé

Chargement ...

• Work & Careers
• Life & Arts

Luma Arles — from railway yard to arts complex with Frank Gehry tower

• Luma Arles — from railway yard to arts complex with Frank Gehry tower on x (opens in a new window)
• Luma Arles — from railway yard to arts complex with Frank Gehry tower on facebook (opens in a new window)
• Luma Arles — from railway yard to arts complex with Frank Gehry tower on linkedin (opens in a new window)
• Luma Arles — from railway yard to arts complex with Frank Gehry tower on whatsapp (opens in a new window)

Caroline Roux

Roula Khalaf, Editor of the FT, selects her favourite stories in this weekly newsletter.

“It’s still too humid,” says Maja Hoffmann, sniffing the air of a ground-floor gallery space in a freshly completed building where Cy Twombly paintings and a Richard Long floor work are among the pieces on display. These are from the Emanuel Hoffmann family collection, and Maja, as the third generation of the Swiss dynasty, has keenly developed instincts when it comes to the safekeeping of priceless artworks.

“Can you make sure that is corrected as soon as possible?” she commands. We are in Arles in the south of France, at the Parc des Ateliers, a 27-acre former industrial wasteland dotted with 19th-century buildings and now anchored with a glittering tower by the American architect Frank Gehry. It is a new complex that will offer all manner of activities, exhibitions and cultural stimulus throughout the year, and Hoffmann, 65, whose family fortunes are derived from the Swiss pharmaceuticals company Hoffmann-La Roche, is the one who has made it all happen. 

She first signed an agreement with the city of Arles to develop the site in 2008, and her investment is a great deal more than financial. “Maja held my feet to the fire all the way through,” says Gehry, looking spry in his trademark cerulean blue sweater in spite of his 92 years, greeting the international press, who gathered at the site last weekend. “She follows through with every detail. She’s not really a client, more an artist in her own right.”

Over an almost 14-year period, the abandoned railway yard, which closed in 1984, has undergone a remarkable transformation. Belgian landscape designer Bas Smets has created an undulating park from the arid terrain, filling it with 80,000 local plants, 500 trees and a large, cooling lake that runs off waste water. The New York-based German architect Annabelle Selldorf has — over the past 10 years — effected graceful renovations of the old linear buildings, once used to assemble or repair locomotives, into spaces for art and performance. Their handsome steel trusses have been restored, vernacular clay roof tiles replaced. There are bars and restaurants serving food focused on local ingredients and recipes, and a hotel that conforms to the very latest in boutique conditions with vintage furniture and perfect linens. 

All this has been achieved under the auspices of Hoffmann’s Luma foundation, named after her two children Lucas and Marina. Established in Zurich in 2004, it has supported art projects around the world, including exhibitions at MoMA and the New Museum in New York and Tate in London, and the Cultural Olympiad in 2012. While the headquarters will always be in Switzerland, it seems likely that Luma Arles will become the better known iteration of its activities. 

Hoffmann first came to the region as a one-week-old baby. Her parents relocated to the Camargue in the early 1950s, where her ornithologist father Luc set up an environmental research centre called Tour du Valat. The activities at the Parc des Ateliers reflect this background. Far from following the usual conventions of cultural centres, Luma Arles intermingles the showing and making of contemporary art with important environmental investigations that include the establishment of the Atelier Luma, where designers, under the leadership of designer and curator Jan Boelen, are developing new materials from locally available resources such as salt, mussel shells and sunflower straw.

“When my father first came to the Camargue, he was concerned with the conditions we were imposing on the world, how broken down it was,” says Hoffmann. “It’s different times [now], but with no fewer problems. I think discussions need to cross all the boundaries — from culture, human rights, politics, environment, design — and we can do that here.” Hoffmann père not only went on to co-found the World Wildlife Foundation, but his predictions proved alarmingly accurate. 

You don’t even need to look at art. Come for the park, the food, the architecture

As a project, it has not proceeded without obstacles. The Gehry tower had to be relocated to the north of the site from an originally proposed position which was thought to be too near the ancient Alyscamps burial ground, a Roman necropolis. The huge glass drum which forms its base is now the entrance to Luma Arles from the avenue Victor Hugo on which it sits. “It’s designed to be very welcoming,” says Gehry. “It’s a simple structure, not architecturally complicated. It doesn’t represent a cold modernist building, but something warm and friendly. It’s meant to be a building of its time.”

From the three-storey drum grows the rather more controversial six-storey tower — with a bipartite exterior that is half-composed of crenellated runs of nearly 11,000 stainless steel shimmering rectangular panels, the rest of the orthogonal blocks clad in concrete panels. These were formed in a local quarry and are currently the colour of cardboard. Gehry talks about gaining inspiration from local geological formations and the colours of the sky in Van Gogh’s paintings (the artist famously spent one very productive and emotionally chaotic year in Arles). For now, its shiny metallic presence doesn’t entirely blend into this soft and sandy French city, but time will perhaps blur the boundaries. 

Inside on the ground floor, visitors are greeted on one side by a sinuous double helix staircase and two stainless steel slides by the German artist Carsten Höller. Visitors can pass directly through to the park and a range of exhibitions staged in the various buildings, or into the spaces which radiate off the tower’s central core, including the gallery where Emanuel Hoffmann’s artworks are on show. 

The choices are enormous. There is Christian Marclay’s celebrated “The Clock”, which tracks 24 hours through time-telling film stills, or John Akomfrah’s “Four Nocturnes”, which investigates humanity’s destruction of nature, and ourselves, in a three-screen video installation. The archives of Annie Leibovitz, Nan Goldin and Derek Jarman are housed here, and Lebanese artist Etel Adnan has created a vibrant ceramic mural in the auditorium on the first floor.

Meanwhile Thai artist Rirkrit Tiravanija, who believes in making places for people to come together for food rather than discrete artworks, has designed a café that has fully exploited the work carried out at Atelier Luma. The green curved walls are made of panels of compressed sunflower straw, and a vast Aubusson carpet was created with the help of French textile designer Axelle Gisserot, who used the wool of local sheep to make yarn (it had been considered a waste product for nearly 200 years) and dyed it in 72 colours using local plants.

This is but a fraction. “I was quite inspired by Naoshima,” says Hoffmann, referring to the island resort in Japan that has become a destination of art pilgrimage like no other. “You don’t even need to look at art. Come for the park, the food, the architecture.”

As a railway yard of SNCF, France’s national railway, the Parc des Ateliers once provided significant employment for the citizens of Arles. Now the exquisitely beautiful city, with its impressive Roman remains and Van Gogh legacy, has an unemployment rate well above the national average (12 per cent compared to 9 per cent) and lives mostly off summer tourism. But the Parc has already generated a number of jobs (Smets in particular hired a local crew), and hopes to create more. “SNCF gave the town an identity,” says Hoffmann. “And in some ways, Luma functions like a factory, so I hope we can do the same.”

luma-arles.org

Promoted Content

Follow the topics in this article.

• Architecture Add to myFT
• Visual Arts Add to myFT
• Maja Hoffmann Add to myFT
• Caroline Roux Add to myFT

• Contenu principal
• Pied de page
• Nous contacter
• Se connecter
• Écrire un billet
• À la Une Édition du soir
• International
• Économie et social
• Culture et idées
• Fil d’actualité
• Panoramiques
• Documentaires
• À la Une du Club
• Les éditions

Newsletters

Découvrez notre offre de newsletters

L’application Mediapart

Découvrez notre application pour mobile & tablette

• Informer la rédaction
• Contacter le service abonné·es
• La Rédaction de Mediapart
• Mentions légales
• Charte de déontologie
• Charte de participation
• Confidentialité

guillaume lasserre

Travailleur du texte

Abonné·e de Mediapart

449 Billets

Billet de blog 28 août 2024

Judy Chicago, the female gaze

Conçue en partenariat avec le New Museum de New York, l’exposition « Judy Chicago: Herstory », qui se tient à la Fondation LUMA à Arles, revient sur soixante ans de la carrière et du parcours visionnaire de l’artiste américaine qui subvertit le minimalisme avant de devenir la figure emblématique d’un art féministe révolutionnaire.

Ce blog est personnel, la rédaction n’est pas à l’origine de ses contenus.

Agrandissement : Illustration 1

À Arles, le Magasin Électrique fait partie de ces bâtiments rescapés de la démolition de l’ancien parc des ateliers SNCF qui firent les beaux jours des Rencontres photographiques. Il compte aujourd’hui parmi les espaces d’expositions temporaires de la Fondation LUMA, se tenant presqu’au pied de la tour de Gehry qui l’abrite. Cet écrin désormais tempéré accueille actuellement l’exposition « Judy Chicago: Herstory », vaste rétrospective de l’artiste féministe américaine, huit ans après « Why not Judy Chicago ? [1]  » , la première exposition institutionnelle en France que lui consacrait le Capc musée d’art contemporain de Bordeaux. Version réduite de celle présentée au New Museum de New York en début d’année, l’exposition arlésienne revient sur soixante ans de création de cette artiste majeure, co-fondatrice avec Miriam Shapiro du Feminist Art Program au California Institute of Arts (CalArts) en 1971. C’est par une sorte de couloir succédant à l’entrée que l’on entre dans l’exposition, couloir dont le mur interne est entièrement occupé par son « Autobiography of the Year », (1993-1994), série de cent-quarante dessins servant de baromètre à l’état mental de Judy Chicago dont on peut suivre l’évolution de mois en mois, de semaine en semaine, de jour en jour. Réalisé à une période extrêmement difficile pour l’artiste en proie à une dépression et au doute alors qu’elle vient de déménager à Albuquerque, au Nouveau-Mexique, elle se tourne, comme moyen thérapeutique, vers une méthode de dessin impulsive exprimant ses sentiments personnels par la couleur. Cette mise à nu inaugurale fait d’emblée entrer le visiteur dans son intimité.

Agrandissement : Illustration 2

Judith Sylvia Cohen voit le jour à Chicago en 1939, fille de Mary Cohen, danseuse, qui va encourager ses enfants à suivre leurs goûts artistiques, et d’Arthur Cohen, militant syndicaliste marxiste. Elle commence ses études à The Art Institute of California San Diego avant de poursuivre en Beaux-Arts à L’Université de Californie à Los Angeles (UCLA) d’où elle est diplômée en 1964. « Lorsque je suis sorti de l'école, j'étais complètement préoccupé par ma lutte pour me faire une place dans l'environnement résolument macho du sud de la Californie, ce qui impliquait – entre autres choses – d'essayer de fusionner mon imagerie naturellement biomorphe et centrée sur la femme (que mes professeurs de peinture masculins méprisaient) avec le langage d'art abstrait qui était dominant [2]  » explique-t-elle. Elle va participer à la tendance artistique des années soixante appelé Los Angeles Look , qui s’apparente à la pratique populaire de customisation de voitures et de planches de surf.

Agrandissement : Illustration 3

Agrandissement : Illustration 4

Les peintures de la série « Pasadena Lifesavers » (1969-1970) présentent chacune quatre formes circulaires peintes à l’aérographe [3] sur des feuilles d’acrylique brillantes. Les finitions méticuleusement appliquées et les teintes lumineuses et dégradées des peintures vont poser les bases esthétiques de son travail à venir. Car elle a très vite compris que la scène artistique de Los Angeles n’a pas de place pour sa sensibilité féminine. Ainsi, si les méthodes et les matériaux qu’elle utilise s’alignent sur le style Look , elle développe une imagerie signifiant ses expériences en tant que femme : des sensations émotionnelles et corporelles traduites en formes et en couleurs. En 1970, elle prend officiellement le nom de Judy Chicago, abandonnant celui de son premier mari, Gerowitz, décédé sept ans auparavant, et se libère ainsi de toute attache masculine. La pleine page dans Artforum qui annonce son exposition personnelle à la Jack Glenn Gallery va aussi être l’occasion d’officialiser, non sans humour, son nouveau statut dans le monde de l’art :  « Judy Gerowitz se dépouille par la présente de tous les noms qui lui sont imposés par la domination sociale masculine et choisit librement son propre nom : Judy Chicago » .

Agrandissement : Illustration 5

Agrandissement : Illustration 6

Un art minimaliste customisé

Entre 1964 et 1973, Judy Chicago réalise plusieurs séries de dessins, peintures et sculptures dans lesquelles elle explore la couleur à travers un vocabulaire géométrique. Elle reçoit très tôt une formation de ce qu’elle nomme les « arts machistes » comprenant la construction navale, la carrosserie et commence la série des « Hoods » (1964-1965), qui trahit sa fascination pour les procédés industriels, les formes préfabriquées et la culture automobile dans le sud de la Californie. Des capots de voiture produits en série sont recouverts d’une composition symétrique colorée réalisée à partir de peinture pour carrosserie automobile à l’image de « Birth hood » (1965-2011), présentant des motifs à la fois biomorphes et minutieusement décoratifs. Consciente de l’association du minimalisme avec la gravité masculine – accentuée par le capot qu’elle décrit d’ailleurs comme « le plus masculin des objets » –, elle enrichit ces formes industrielles léchées d’une palette de tons pastel ou acidulés. L’exposition suggère que cet ensemble doit être compris comme une « mise en cause prémonitoire des liens stylistiques entre le minimalisme et des personnalités masculinistes ».

Agrandissement : Illustration 7

Agrandissement : Illustration 8

Portant le nom du chanteur de soul des années soixante Wilson Pickett, « Rainbow Pickett » (1965-2021)  fait partie des installations sculpturales de la taille d’une pièce créées pour sa première exposition personnelle à la Galerie Rolf Nelson de Los Angeles en janvier 1966. La sculpture originale [4] a également été présentée la même année au Jewish Museum de New York, dans le cadre de l’exposition fondamentale « Primary sculptures », qui a consacré l’art minimaliste au sein du monde de l’art new-yorkais. Parmi les quarante-deux artistes américains et britanniques exposés, on compte seulement trois femmes. Minoritaire, Judy Chicago se voit en outre utilisée comme point de comparaison entre les côtes Est et Ouest. L’exubérance de la couleur et le soin particulier apporté à la finition, en plus de l’iconographie explicitement féministe,  lui valent d’être rangée dans le style « Finish Fetish [5]  » et la disqualifient face à des artistes comme Donald Judd ou Robert Morris. L’œuvre est néanmoins saluée par l’éminent critique d’art Clement Greenberg. Chicago participe de cette esthétique « Finish Fetish » au sein d’un groupe d’artistes californiens composé de John McCracken, Ron Davis, Robert Irwin, Craig Kauffman, Larry Bell, Ken Price, Ed Ruscha et James Turrell.

Agrandissement : Illustration 9

Pour Judy Chicago le minimalisme n’est pas juste une phase et le changement de direction dans son travail après 1973 n’est pas aussi brutal qu’on voudrait le laisser croire. Il s’agit plutôt d’un processus graduel qui s’étale sur plusieurs années, l’artiste l’ayant intégré dans son travail ultérieur. À partir du milieu des années soixante, elle s’intéresse aux jeux de société pour mieux les subvertir et les parodier. La plupart de ces jeux sont conditionnés à une question de hiérarchie, de compétition et de guerre. Aux échecs, les plus petits pions sont consommables et la partie se termine lorsque le roi est mort. Chicago crée le « Multicolor Rearrangeable Board Game » en 1965. Il se compose de sculptures en blocs de couleur arc-en-ciel en deux tailles, une pour la compétition sur table et une autre en tant que sculpture publique autonome. De manière significative, les conservateurs et les collectionneurs de ces œuvres sont libres d’organiser les blocs comme bon leur semble. « Moving Parts » (1967/2022) contient treize pièces acryliques mobiles qui capturent et réfractent des couleurs brillantes à travers leurs formes cylindriques. Posées sur un plateau en miroir, les pièces polymorphes et érotiquement suggestives semblent s’étendre dans plusieurs directions, créant l’illusion de plans qui se chevauchent. « Moving Parts » prolonge un peu plus le geste féministe de Chicago en intégrant la couleur dans l’expérience perceptuelle, plutôt qu’elle ne soit imposée à une surface.

Agrandissement : Illustration 10

Agrandissement : Illustration 11

La sensualité des nuages

Après s’être formée à la pyrotechnie, Judy Chicago entame sa série de performances « Atmosphere » en 1969. Des nuages de fumée colorés, créés au moyen de machines à fumée, feux d’artifice ou feux de signalisation routière, forment des moments aussi saisissants que fugaces, documentés par des films et des photographies. Ainsi, les épais nuages de fumée du sensuel et hypnotique « Purple Atmosphere » (1969) jaillissent des paysages de Santa Barbara, effaçant toute distinction entre ciel et mer. Entre 1969 et 1974, l’artiste réalise treize performances connues sous le nom de « California Atmosphere ». Celles-ci sont présentées dans des environnements à la fois naturels et architecturaux, autour de Los Angeles et en Californie du sud. Avec ses premières œuvres dynamiques, Judy Chicago active le paysage à travers un usage expressif de la couleur, proches de ses sculptures minimales mais sous une forme plus libérée. Cette série de performances originales marque pour l’artiste le moment de transition. Les œuvres en fumée plus tardives de Judy Chicago intègreront des performeuses aux corps nus, souvent peints, évocations d’anciennes figures de déesses. Le 1 er juillet dernier, l’artiste présentait, du haut de ses 85 ans, « A homage to Arles » , sa première smoke sculpture immersive réalisée en Europe.

Agrandissement : Illustration 12

Agrandissement : Illustration 13

Avec la série des « Great Ladies » (1973), l’artiste souhaite rendre visible les femmes trop souvent exclues du récit historique. Elle représente ainsi Christine de Suède, Virginia Woolf, Marie-Antoinette, et d’autres, dans des images abstraites et colorées. La série annonce « The Dinner party [6]  » (1974-1979), son œuvre la plus célèbre, évoquée ici par un ensemble de dessins préparatoires, une immense photographie et une vidéo. Il s’agit d’une sculpture colossale composée de trente-neuf assiettes méticuleusement conçues, installées sur une table triangulaire somptueusement décorée de broderies, l’ensemble reposant sur une base de tuiles sur lesquelles sont inscrits les noms des 998 femmes historiques ou mythologiques célèbres d’hier et d’aujourd’hui. Elles répondent impérativement à un ou plusieurs des critères suivants : ont-elles apporté quelque chose de précieux à la société, ont-elles essayé d’améliorer les conditions des femmes, et leur travail ou leur vie était-il un exemple d’aspects importants de l’histoire des femmes ou incarnaient-elles un modèle égalitaire ? Broderies et céramiques, les matériaux employés renvoient aux ouvrages féminins, souvent domestiques, perçus comme bien moins précieux que les Beaux-arts, en particulier la peinture. L’installation est loin de faire l’unanimité. Elle est même taxée de pornographique. « The Dinner Party est devenu l’œuvre que tout le monde voulait voir et que personne ne voulait montrer », surtout pas les musées et les institutions officielles, résume parfaitement Judy Chicago dans un entretien accordé pour l’exposition arlésienne.  « Les gens ont commencé à s'organiser dans le monde entier pour faire venir 'The Dinner Party' dans leur ville, et il a fait cette énorme tournée alternative dans seize lieux et six pays sur trois continents, totalisant plus d'un million de visiteurs, ce qui a en quelque sorte fait exploser ce mythe sur le public restreint et élitiste de l’art contemporain. J’ai appris énormément sur le pouvoir potentiel de l’art ».

Agrandissement : Illustration 14

Agrandissement : Illustration 15

La cité des femmes

Un ensemble de documents introduit l’ambitieux projet d’exposition « Womanhouse » qui commence le 8 novembre 1971, en lien avec le Feminist Art Program (FAP) créé un peu plus tôt la même année avec Miriam Shapiro à CalArts et basé sur le programme expérimental que Judy Chicago avait lancé au Fresno State College en 1970. Ce programme révolutionnaire est l’un des premiers aux États-Unis à proposer un cours d’histoire de l’art entièrement féminin, enseigné par des femmes pour des femmes. « Womanhouse » est le point culminant de cette première année du FAP. Il va impliquer plus d’une vingtaine d’étudiantes à la transformation d’un manoir abandonné au 533 Mariposa Street à Hollywood, comptant dix-sept pièces en un espace d’exposition. Le principal objectif est de construire un environnement féminin, de présenter des modèles féminins positifs et de permette aux étudiantes d’exprimer leur point de vue et leur expérience personnelle en tant que femmes évoluant dans une communauté artistique à dominante masculine. Du 30 janvier au 28 février 1972, la maison est ouverte au public qui peut visiter les différentes pièces et assister à des performances. Le FAP périclite en 1974 en raison du départ un an plus tôt de Judy Chicago, mais il va fortement marquer le monde de l’art, faisant progresser de manière significative la visibilité et la reconnaissance des femmes artistes et de leurs perspectives uniques, tout en modifiant la nature de l’enseignement de l’art.

Agrandissement : Illustration 16

Agrandissement : Illustration 17

Agrandissement : Illustration 18

Dans la même salle sont présentées plusieurs œuvres issues du « Birth Project » (1980-1985), autre projet d’envergure, vaste cycle réalisé en collaboration avec plus de cent-cinquante brodeuses déclinant des images relatives aux naissances, trop rarement représentées dans l’art et dans la culture populaire, selon Judy Chicago. Le projet conjugue différentes techniques de travaux d’aiguilles illustrant les différentes étapes de l’accouchement. Comme pour « The dinner party », le choix d’un medium genré, délaissé des milieux artistiques, met en lumière les réalités sociales des femmes à travers le monde. « Je suis allée à la bibliothèque pour y chercher des images d'accouchement. J’ai été stupéfaite de constater que mes recherches ne donnaient presque aucun résultat. Pourtant, il est évident que la naissance est une expérience humaine universelle centrale dans la vie des femmes. Pourquoi n'y avait-il donc aucune image ? [7]  » s’étonne Judy Chicago. La série « Resolutions : A stitch in time » (1994-2000) consiste en une série d’images peintes et brodées créées par Judy Chicago et exécutées par un groupe de couturières aguerries, dont beaucoup ont travaillé avec l’artiste sur des projets précédents. Elle a été conçue dans le but de s’attaquer à ce qu’elle considère comme le problème de l’effondrement généralisé des valeurs sociales. Elle réinterprète les adages et les proverbes traditionnels pour l’avenir, proposant une vision contemporaine ludique d’idées désuètes telles que la famille, la responsabilité, la tolérance, les droits de l’homme, la conversation, l’espoir et le changement, en les plaçant dans une perspective multiculturelle et contemporaine.

Agrandissement : Illustration 19

Agrandissement : Illustration 20

Agrandissement : Illustration 21

L’exposition se poursuit avec la reconstitution de la «  Feather Room » , pièce entièrement blanche, aux angles adoucis et au sol recouvert de plumes naturelles, créée en 1966 par Judy Chicago avec Lloyd Hamrol et Eric Orr et récemment présentée au musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne dans le cadre de l’exposition « Immersion. Les origines : 1949-1969 » qui interrogeait les prémisses de l’art immersif [8] .  Judy Chicago réalise la série « PowerPlay » (1982-1987), centrée sur la construction de la masculinité, en collaboration avec son mari, Donald Woodman. Les œuvres explorent notamment la question du pouvoir, son influence sur les hommes et le monde qui les entoure. Le contraste est frappant avec le « Birth project » , sur lequel elle travaille encore lorsqu’elle commence cette série. Plusieurs éléments président à son invention. Tout d’abord, le constat qu’il n’y a pas suffisamment  de représentations des hommes tels que les femmes les voient, mais aussi la volonté de l’artiste de comprendre les actions violentes de certains d’entre eux. En observant les peintures de la Renaissance lors d’un voyage en Italie, elle décide d’explorer les représentations classiques de la masculinité, nue et héroïsée, dans une série de peintures à l’huile monumentales. Judy Chicago va remettre en question la notion contemporaine de masculinité, qui pour elle a été générée à la Renaissance italienne, en utilisant le langage visuel duquel elle a émergé.

Agrandissement : Illustration 22

Agrandissement : Illustration 23

Dans la dernière salle, plusieurs séries récentes saisissent l’angoisse qui entoure la mort, qu’elle soit humaine, animale ou planétaire. « The End: A Meditation on Death and Extinction » (2012-2018) explore la façon dont la mort affecte à la fois les individus et la planète. Les œuvres peintes sur verre noir sont travaillées selon la technique du fusing [9] ou verre fusionné et démontrent la volonté de Chicago de mettre en avant des formes d’art marginalisées pour traiter des questions contemporaines urgentes. La délicatesse du matériau illustre la fragilité de la vie, tandis que les processus de transformation sont liés au vieillissement, à la mort et au changement climatique, thématiques centrales de cette série.

Agrandissement : Illustration 24

« Mortality » porte sur les propres peurs de l’artiste, chacun des panneaux peints qui compose la série répondant à la question « Comment vais-je mourir ? » Tandis que « Extinction » évoque en quinze panneaux la disparition d’espèces entières au point d’affecter l’ensemble de la planète. Les œuvres font preuve d’une grande franchise dans leur description de la brutalité humaine en assumant des titres qui nomment directement la violence exercée – étouffé, battu, blanchi, récolté, … – sur des formes de vies innocentes. « Être confronté chaque jour à ce que nous faisons à d'autres créatures et à la planète, c'était entrer dans le royaume de l'enfer [10] » indique Chicago sans détour, s’inscrivant dans une perspective écoféministe de réévaluation urgente des rapports entre humains et non humains. L’exposition se termine sur « The Female Divine » (2022), série de onze bannières monumentales conçues par l’artiste et produites par l’école d’artisanat à but non lucratif Chanakya School of Craft de Mumbai pour un défilé Dior au musée Rodin à Paris en 2020, qui pose des questions un peu trop littérales à l’image de « Et si les femmes dirigeaient le monde ? » ou encore « Dieu serait-il une femme ? » .

Agrandissement : Illustration 25

En proposant un contexte historique et narratif à l’ensemble de son œuvre, et en replaçant la méthodologie féministe de Judy Chicago dans le contexte des nombreux mouvements artistiques auxquels elle a participé – et de l’histoire desquels elle a souvent été effacée –,  l’exposition permet de comprendre l’impact considérable qu’a eu, et qu’a encore, le travail de l’artiste sur plusieurs générations d’artistes femmes, et plus généralement sur l’art américain. Plutôt visionnaire que pionnière, Judy Chicago combine production artistique et projets éducatifs inédits avec les Feminist Art Programs de Fresno State College, puis de CalArts. Dès ses premières œuvres, elle commence à créer une iconographie qui dénonce le phallocentrisme régnant dans l’art, n’hésitant pas à remettre en question les normes rigides de l’art minimaliste en développant une esthétique qui privilégie le circulaire par rapport à l’horizontal ou au vertical, l’orifice par rapport au phallus. Dix ans avant que le mouvement LGBTQ+ n’adopte le drapeau de la fierté, Judy Chicago déployait les couleurs de l’arc-en-ciel en réaction à la palette restreinte du minimalisme, ce mouvement artistique dominé par des hommes blancs. « Je suppose que l’on pourrait dire que mon art est devenu ma politique dans la mesure où j’ai décidé de créer un art qui remettait ouvertement en question le paradigme patriarcal qui prévalait [11]  » précise-t-elle. « HerStory » – le titre même de l’exposition est un jeu de mots qui indique la façon d’envisager l’histoire selon un point de vue féministe – , l’exposition monographique de Judy Chicago est aussi une formidable enquête sur les arts féministes à travers les siècles.

Agrandissement : Illustration 26

[ 1] Why not Judy Chicago , commissariat : Xavier Arakistain, Capc musée d’art contemporain de Bordeaux, 12 mars au 4 septembre 2016.

[2] Artist interview : Judy Chicago , septembre 2015, Tate, https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/world-goes-pop/artist-interview/judy-chicago

[3] Judy Chicago fréquente une école de carrosserie pour apprendre à manier l’aérographe. Elle est la seule femme parmi 250 étudiants hommes.

[4] Détruite avec d’autres par l’artiste en raison des coûts de stockage.

[5] Terme inventé par John Coplans pour qualifier, non pas un mouvement à proprement parler, mais plutôt une forme de Pop art vernaculaire californien avec une prédilection pour des matériaux comme le plexiglas, le vinyle ou le polyester et des procédés de fabrication industriels.

[6] L’installation est en exposition permanente au Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, Brooklyn Museum de New York.

[7] Judy Chicago, The Birth Projrect, Doubleday & Company, Inc., New York, 1985, 231 pp.

[8] Guillaume Lasserre, « Le corps à la conquête de l’espace. Aux origines de l'art immersif », Un certain regard sur la culture/ Le Club de Mediapart, 24 février 2024, https://blogs.mediapart.fr/guillaume-lasserre/blog/240224/le-corps-la-conquete-de-l-espace-aux-origines-de-lart-immersif

[9] Technique ancestrale, Le fusing a pour objectif d’assembler plusieurs morceaux de verre superposés pour qu’ils puissent ne former qu’une seule pièce, grâce à une cuisson très précise. Ils sont portés dans un four à leur point de fusion pour former une seule pièce homogène.

[10] Citée dans Judy Chicago—The End: Extinction , 15 janvier 2020, National Musuem of Women in the Arts, https://nmwa.org/blog/nmwa-exhibitions/judy-chicago-the-end-extinction/

[11] Artist interview : Judy Chicago, op. cit.

Agrandissement : Illustration 27

« JUDY CHICAGO - HERSTORY  »  -  Commissariat :  Vassilis Oikonomopoulos , directeur des expositions et des programmes de la Fondation LUMA, Arles. L’exposition est organisée en partenariat avec le New Museum de New York. Elle a été initialement organisée par Massimiliano Gioni, Directeur artistique d’Edlis Neeson, Gary Carrion-Murayari, Curateur senior de la famille Kraus, Margot Norton, ancienne Curatrice senior d’Allen et Lola Goldring et actuellement Curatrice en chef du Berkeley Art Museum et de la Pacific Film Archive, et Madeline Weisburg, Assistante curatrice, assistée de Ian Wallace, Assistant curateur.

Jusqu'au 29 septembre 2024.

Tous les jours, de 10h à 19h30.

LUMA Magasin Électrique - Parc des Ateliers  13 200 ARLES

Agrandissement : Illustration 28

Recently I had the chance to visit Arles , the tiny city in the south of France, in the heart of the Provence region. Arles had a rather important place on any ancient map since Julius Caesar established a colony there back in 46BC. Its ideal location next to the Rhone made it a very important commercial center to transport goods from the Mediterranean sea up the river up to the northern regions of the empire. A lot of historical venues and buildings are present until this day, among them the Roman theatre, the baths of Constantine, a cryptoporticus, the Roman Barbegal aqueduct with its mills and, very impressive even today, the Roman amphitheatre in the very center of the old city. At the time it was hosting up to 21.000 spectators watching the gladiators fighting their combats of life and death. Today the amphitheatre is still in use for regular bullfights, hence the people just call it “ les arenes ” (the arena).

Arles just has about 50.000 inhabitants, but almost everyone in the world with only the slightest interest in art has at least heard the name of the city. Besides its history as a important Roman colony the city later bacame by chance an important destination in the art world of the late 19th century. Here Vincent Van Gogh spent the most productive years of his whole life, establishing his “Studio of the South”, but sadly Arles is also the place of his disturbing meeting with Paul Gauguin leading to Van Gogh’s partial loss of his left ear.

In today’s art world Arles is mostly known for its focus on photography during the Les Rencontres d’Arles festival which every summer transforms the city’s sleepy streets into wonderfully improvisational exhibition spaces.

Since 2021 Arles has another controversial highlight, “ La Tour Luma ”, the Luma tower. The Luma Tower ist a sparkling, highly reflective, metal clad 56 meter high tower designed by Frank Gehry , the famous Canadian-American deconstructivist architect and lucky inventor of the “Guggenheim effect” in Bilbao. Even though the Pritzker Prize-winner continues to say that he tries “not to repeat” himself, that’s exactly what Maja Hoffmann , founder and president of the Luma Foundation but also Swiss heiress of the famous health care company Hoffmann-La Roche, and the city of Arles were hoping for as they commissioned the project.

Situated close to the train station on a former railway wasteland and quite a bit outside of the inner city center the newly established interdisciplinary creative campus “ Parc des Ateliers ” with Gehry’s landmark tower are meant to work exactly like that, they try to attract new visitors to the relatively small and fundless community and make an imprint on the global map of both architecture and art, exactly as the Basque city Bilbao did in the late 1990s with its erection of the Guggenheim Museum.

In the Parc des Ateliers several industrial buildings have been renovated by Selldorf Architects and are now used for exhibitions, presentations and artists’ residences. Also there’s now a landscape garden surrounding both the buildings of the Parc des Ateliers as well as Gehry’s tower. The park is open to the public and was designed by the landscape architect Bas Smets .

La Tour Luma is a 10 story building and is clad into 11.000 stainless steel bricks. 53 windows stick out of the faceted facade as highly visible glass boxes. The tower is based on a massive cylindric shape called the “ Rotunda ” or “ The Drum ” which houses entrance and atrium. There’s also an adjacent cafe as well as a skatepark on that level. Inside there’s this beautifully white and minimal double helix staircase reaching up two floors. A circular mirror above the staircase is mounted at an angle and is slowly rotating, which generates a sense of destabilization to the viewer. The mirror sculpture “Take your Time” is designed by Olafur Eliasson . Down we go one of the two interwoven steel slides by Carsten Höller called “Isometric Slides”.

Taking one of the lifts up to the 9th floor there’s also an outdoor terrace overlooking the center of Arles, its banlieues as well as the beautiful rural areas of the Camargue and the Alpilles . One floor down there’s an indoor outlook space designed by Konstantin Grcic called “Open Space”. Its raw and industrial atmosphere uses a lot of metal surfaces resembling the outer facade of the building. There are other installations by artists like Philippe Parreno, Rirkrit Tiravanija, Etel Adnan, Liam Gillick and Helen Marten but I guess the indoors of the cylindrical atrium and the outdoor terrace are unquestionably the highlights of the tower.

A lot has been said about the 150 million euro project and especially about Frank Gehry’s tower and a lot is still to say. Personally I think that this building is probably not one of the best ones in Gehry’s career. There’s this weird atrium which puts the whole tower to the ground like in a flowerpot, there’s this stone clad, windowless backside facing Arles’ banlieues contrasting the vibrant metal shapes facing the inner city. It feels a bit like a snobbish gesture to me if you’re in that sort of mood. But all questionable details put to the side this building is a high end tower, a real landmark, highly visible and meant to be seen. Gehry’s metal, reflective facades are still breathtaking, even after all these years, even after having to repeat them in almost any project. It’s unquestionably “a Gehry”, a piece of art on its own. If it becomes a success for the city in one way or the other I guess this is a question no one can answer yet. Even for a 94 year old it’s incredibly hard to create the Guggenheim effect, twice.

European Heritage Days 2024

Parc des Ateliers From  September 21 to  22, 2024

For its 41st edition, the European Heritage Days will be held on Saturday, September 21, and Sunday, September 22, 2024, with the themes "The Heritage of Routes, Networks, and Connections" and "Maritime Heritage." On this occasion, LUMA Arles is offering two free activities related to this theme.

Workshop⎢Traversées éclairées (in French only)

Saturday 21 and Sunday 22 september at 04:00 p.m. (duration of about 2 hours).  On the occasion of the European Heritage Days, LUMA Arles is offering a creative workshop echoing the " Je n'attends plus " exhibition by South African artist William Kentridge, whose work tackles a wide range of themes, including the migration of peoples and crossings. A visit to the exhibition is followed by a creative workshop inspired by the artist's practices, exploring the themes of itinerary and journey. Recommended age: for all ages 8 and up. Free, booking required, subject to availability. Access to exhibitions not included.

Guided tour ⎢Au fil des rails (in French only)

Saturday 21 and Sunday 22 September at 10.30 a.m. (duration of about 1 hour). This tour invites you to (re)discover the Parc des Ateliers' railway past and its transformation over time into a creative campus that explores the relationship between art, culture, the environment, human rights and research

Free, booking required, subject to availability.

Access to exhibitions not included.

Already have a token ? Click here to connect with it.

Please enter yout email adress.